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INTERVIEW AVEC KATE VOZELLA, SCÉNARISTE/ACTRICE - MIA

Winner: Best Original Story - Édition Janvier 2021

Nominee: Best Female Director Short / Best Actress in a Short






BIO


KATE VOZELLA

SCÉNARISTE, ACTRICE



Bill Mudge, Director & Co-Producer


KATE VOZELLA



Kate Vozella (elle) a obtenu une licence de l'Institut australien d'arts dramatiques en 2018. Elle a immédiatement commencé un stage à "Playwriting Australia" où elle a assisté au développement de nouvelles œuvres d'Angela Betzien, Jane Hampson et Claire Testoni. Elle a déménagé à NYC à la fin de 2018 pour étudier au "Stella Adler Studio of Acting". Après avoir obtenu son diplôme de "Stella Adler", Kate a travaillé sur de nombreux développements de scénarios indépendants.


En 2020, sa pièce "Burning Falling Rising Monster", (également une histoire d'IA) a été présélectionnée pour le "Platform Presents Playwrights Prize". "Platform Presents" a produit une adaptation de la pièce en court métrage avec "Phoebe Fox" (The Aeronauts, The Great) et Kyle Soller (lauréat d'un Olivier Award), qui a été présentée au festival de courts métrages Marquee TV en août 2021.


Son travail a été présenté dans "The Daily Telegraph" (AUS), "Arts and Culture Hub" (UK), "Platform Presents" (UK) et "The National Portrait Gallery of Australia" (AUS). À la fin de l'année 2020, Boycott Entertainment a produit son scénario, "MIA" (une autre histoire d'I.A.) - en lui confiant le rôle principal, aux côtés de Jason Butler-Harner et Pooya Mohseni, sous la direction de Jac Fitzgerald. Elle travaille désormais en étroite collaboration avec "Boycott Entertainment" en tant qu'assistante de scénario interne. Sa pièce la plus récente, "Machine Learning" (une autre histoire d'intelligence artificielle), est actuellement en pré-production à Sydney, en Australie, en vue d'être jouée en 2022.


Kate est passionnée par le développement de nouvelles œuvres et s'intéresse particulièrement aux histoires sur les nouvelles technologies et leur tentative de réparer notre société fracturée et déconnectée.





INTERVIEW



Bonjour Kate Vozella, merci de nous recevoir ! Tout d'abord, nous aimerions vous présenter à nos lecteurs : Quand avez-vous découvert que vous vouliez être actrice ? Où avez-vous étudié ? Comment pouvez-vous décrire votre processus pour devenir à la fois une actrice et un écrivain ?


J'ai décidé que je voulais être actrice quand j'avais environ 19 ans. Avant cela, je voulais absolument devenir une artiste plasticienne ; avec le recul, je suis heureuse de ne pas l'avoir fait, car je me serais probablement sentie très seule dans cette entreprise. Ce que je préfère dans ce secteur, c'est que de nombreux esprits se réunissent pour créer quelque chose à partir de rien.


À 19 ans, j'ai eu l'occasion de jouer dans un court métrage à Melbourne et, une fois sur le plateau, je suis tombée amoureuse de la sensation de créer de cette manière, en utilisant mon corps et mes mots comme outils pour raconter une histoire. C'était très amusant et bien sûr un peu effrayant. J'ai pu jouer, j'ai pu réfléchir profondément aux humains - pourquoi ils font ce qu'ils font, ce qui les motive, ce qui les brise.


Après cette expérience, j'en voulais encore, mais je savais que je devais d'abord apprendre tout ce qu'il y avait à apprendre sur le jeu d'acteur et la narration. J'ai donc passé une audition dans une école d'art dramatique à Sydney, et c'est là que j'ai pu faire d'autres choses, comme lire des pièces, comprendre l'histoire : la structure, l'intrigue, la caractérisation, la mise en scène et, bien sûr, le jeu d'acteur. J'ai également pu pratiquer les points de vue, la méthode Suzuki et un tas d'autres techniques de théâtre plus physiques qui m'ont ouvert les yeux sur un style plus expérimental de narration... ce qui, je pense, a vraiment contribué à faire de moi l'artiste que je suis aujourd'hui.


Quant à l'écriture, c'est là que j'ai écrit ma première pièce et c'est la réaction de mon professeur à cette pièce qui m'a vraiment catapulté dans le désir d'être écrivain. J'ai vraiment eu l'impression qu'une lumière s'était allumée dans mon cerveau. J'ai senti que je pouvais voir le monde d'une nouvelle façon et je devais continuer à écrire, écrire et écrire pour essayer de l'articuler.




Pourquoi avez-vous choisi Jac Fitzgerald pour réaliser "MIA" ? Comment la dynamique "auteur/actrice" et "réalisateur/réalisatrice" a-t-elle fonctionné ? Cette combinaison donne le sentiment d'une alchimie assez unique...


La production a d'abord contacté Jac en tant que directrice de la photographie et c'est elle qui, après avoir lu le scénario, s'est proposée pour la réalisation. Après quelques zooms, nous savions tous les deux que ça collait. Dès le début, nous nous sommes plongés dans ce monde imaginaire avec enthousiasme et engagement, et je me souviens que certains de nos premiers zooms duraient des heures et des heures. J'en suis sorti avec un sentiment d'énergie et d'inspiration qui s'est poursuivi tout au long de la phase pré-professionnelle et du tournage, jusqu'au dernier jour du montage.


Pour ce qui est de Jac et moi, qui avons dû concilier plusieurs rôles, je pense que nous étions tous deux complètement dans notre élément. Nous n'aurions pas voulu qu'il en soit autrement. J'ai cette image de Jac bourdonnant sur le plateau avec un grand sourire sous son masque, courant vers Jason et moi pour donner des notes, puis retournant à la caméra, et gérant toute l'équipe simultanément. En ce qui me concerne en tant que scénariste/acteur, je pense que je suis plutôt doué pour laisser le scénariste à la porte et mettre mon chapeau d'acteur quand c'est nécessaire.


Une fois que vous êtes sur le tournage et que vous connaissez tous votre texte, il s'agit moins des mots et plus de ce que vous faites réellement dans la scène et pour votre partenaire de scène. Il y a eu une ou deux fois où je n'étais pas dans une scène et où j'ai pu entendre Jason et Pooya prononcer mes mots. Une ou deux fois, j'ai répondu à l'impulsion d'un acteur et j'ai dit à voix basse (par exemple à Pooya) : "Laisse tomber cette réplique. Tu n'en as pas besoin" et elle le faisait.


Je pense que c'est quelque chose que Jac et moi faisons en tant qu'artistes et qui a contribué à cette "alchimie unique" dont vous parlez - nous jouons avec ce que nous avons et nous n'avons pas peur de résoudre, de modifier et d'ajuster en cours de route pour améliorer l'histoire. Par exemple, une fois, nous avons eu des difficultés avec la scène de l'ascenseur : il fallait coordonner le timing, gérer toute l'équipe et l'équipement et tout faire rentrer dans un espace minuscule pour obtenir rapidement le plan. Après quelques tentatives ratées, Jac m'a dit : "Kate, toi et moi, on va faire la scène", elle m'a attrapé, a pris une caméra portative, l'a mise en équilibre sur son épaule et on a sauté dans l'ascenseur. C'est une dure à cuire ! Et oui, nous avons eu la scène.




Pour continuer sur ce thème, diriez-vous que "MIA" pourrait être étiqueté comme un "film de femmes" ? Cette histoire est-elle spécifiquement racontée du point de vue des femmes ?


Hmm. Il m'est difficile de répondre à cette question. Non, je ne pense pas que ce soit un film de femmes, mais je suis intéressée par la question de savoir ce qui fait un film de femmes. Je pense que, malheureusement, lorsque nous qualifions quelque chose d'histoire de "femmes", nous nous empêchons de voir l'histoire pour ce qu'elle est réellement, dans toutes ses multiples facettes. "MIA" ne parle pas des femmes, mais de l'avenir, de l'avenir de la technologie, de la disparition de l'intimité et de la connexion. J'utilise à la fois un homme et une femme pour raconter cette histoire et montrer deux réponses à ce monde.


Le point de vue du film de femmes est particulièrement intéressant pour moi et c'est quelque chose que je voulais subvertir, car nous ne semblons pas le faire avec des films centrés sur les hommes.


"Matrix" n'est pas un film pour les hommes. Ce n'est pas non plus un film raconté spécifiquement du point de vue d'un homme, ou je veux dire, il l'est, bien sûr, mais nous ne nous préoccupons jamais de cette question, nous l'acceptons simplement. Nous acceptons qu'il s'agit en fin de compte d'un film sur une réalité alternative - qu'il soit un homme ou non n'est ni ici ni là, même si je ne peux m'empêcher de penser que si Neo était une femme ou une personne non conforme au genre, l'histoire deviendrait soudainement plus proche de cela que du monde de "Matrix". Maria Irene Fornes a dit à propos des écrivaines qui racontent des histoires avec des protagonistes féminins au centre : "Les critiques pensent que ma pièce "Mud" dit x, y et z sur les femmes, mais en fait elle ne parle pas des femmes, elle parle de la pauvreté". Eh bien, mon histoire ne parle pas non plus des femmes, du moins pas plus que des hommes.


L'atmosphère étrange, d'anticipation/thriller s'installe tout de suite. On a l'impression que les spectateurs se demanderaient immédiatement "Qu'est-ce qui se passe ici ? !". Parlez-nous du cinéma que vous aimez, de vos réalisateurs préférés, et pourquoi vous avez choisi ce genre pour raconter votre histoire.


C'est certainement ce que nous voulions faire - demander plus à un public, plutôt qu'un simple engagement passif ; demander à un public de réfléchir, de prêter attention aux indices, d'imaginer ce qu'une image particulière ou la composition d'une scène pourrait représenter sur le personnage, plutôt qu'un dialogue ou une exposition simple et facile à digérer. Je comprends que ce n'est pas la façon dont les masses consomment le contenu, donc je sais que mon style ne sera pas apprécié par tous, mais je pense qu'il faut rester fidèle à ce qui vous fait vibrer en tant qu'artiste, et c'est ainsi que vous trouvez votre public.


Pour ce qui est de ce que j'apprécie, voici quelques-uns de mes films préférés (classiques : mes films préférés lorsque je me sens un peu désespéré quant à ma place dans l'industrie cinématographique) : "Code inconnu" (dir. Michael Haneke), "Persona" (dir. Ingmar Bergman), "La Grande Bellezza" (dir. Paolo Sorrentino), "Three colors" (dir. Krzysztof Kieslowski), "The Lobster" (dir. Yorgos Lanthimos) - je ne me limite pas aux films mentionnés, mais ces réalisateurs en général sont si spécifiques dans leur travail que j'aime regarder plusieurs de leurs films à la fois. Ce ne sont pas des "poneys à un coup" (lol), c'est ce que j'essaie de dire. J'aime aussi "The OA" (Brit Marling et Zal Batmanglij), tout ce que fait Alex Garland (Devs, Ex Machina), "Her" (Spike Jonze), "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" (Charles Kaufman). Pour moi, le point commun entre tous ces films est que le voyage visuel n'est pas une réflexion après coup, mais contribue grandement au personnage, à l'intrigue et à l'histoire. Les performances sont également fantastiques, les dialogues sont bien écrits et économiques, rien n'est là juste pour combler le silence. Et en fait, dans ces films/séries, le silence est utilisé intentionnellement et il est très convaincant lorsqu'il l'est. Dans cette œuvre, on a l'impression qu'il y a une synergie/cohésion parfaite entre tous les éléments de la narration. Pour moi, ce sont des œuvres d'art.





Votre film nous laisse avec un certain nombre de questions. Était-ce le but, pousser les spectateurs à remettre en question quelque chose, ou certaines choses ? Est-ce une réflexion critique sur ce que serait la femme parfaite dans un monde hi-tech ? Sur les attentes de la société ? Sur le dysfonctionnement et la névrose ?


Il y a une interprétation selon laquelle "MIA" est la compagne parfaite, mais bien sûr elle subvertit cette attente dès le début. Oui, la question des attentes de la société est quelque chose que j'ai pris en compte - la façon dont on attend de nous que nous nous mettions en couple, que nous trouvions des compagnons, cette idée que nous pourrions avoir plus de valeur, ou vivre une meilleure vie en couple, ou être plus "épanouis" que si nous étions seuls. La pression sociale qui en découle est en train de changer, mais je peux encore la voir. Bien sûr, dans "MIA", la couche supplémentaire est que nous sommes dans le futur, donc si nous nous sentons déjà libérés de ces constructions maintenant en 2021, comment pourrions-nous nous sentir dans le futur ? Si nous nous sentons déjà libérés de ces constructions en 2021, comment nous sentirons-nous à l'avenir ?


Quand il sera plus difficile de se connecter, aurons-nous encore plus envie de nous connecter ou nous en couperons-nous complètement ? Quant au dysfonctionnement et à la névrose, je pense qu'ils seront des thèmes présents dans tout ce que j'écrirai. Mais pour ce qui est de la façon dont ils s'intègrent dans mes histoires d'I.A., je m'intéresse vraiment à ce que nous transmettrons aux générations futures. Je considère les générations futures, pas seulement comme nos enfants, ou notre impact - sur le plan social ou environnemental, mais aussi sur le plan technologique. Si nous avons des humanoïdes I.A. dans le futur, alors nous serons ceux qui les programmeront. Alors que leur apprendrons-nous ? Quelle est notre responsabilité vis-à-vis des choses que nous créons ?





Tout au long de l'histoire, on a de plus en plus l'impression que l'homme est un "complice" et la femme une "victime" d'une troisième entité. Pourtant, ce troisième personnage, si l'on peut dire, est celui qui contrôle la situation. Que représente-t-il ?


Oui, je voulais jouer avec le jugement initial du public sur leur dynamique, et sur ce que ces deux personnes représentent l'une pour l'autre ; tout en le subvertissant, mais en y jouant. Je pense qu'en fin de compte, ils sont tous deux victimes de cette société supérieure, et bien sûr, au sein de cette société, ils ont leur propre dynamique en jeu.


Avez-vous tourné et terminé la production du film pendant les lockdowns à New York ? Pouvez-vous partager votre expérience de la gestion de votre projet dans ce contexte ?


Oui, non seulement nous avons tourné en covidence mais aussi pendant la semaine des résultats de l'élection, qui était une période de très haute tension pour la plupart des Américains. Je ne peux pas trop parler de l'aspect production des choses, outre le fait que les tournages indépendants sont déjà difficiles, sans le défi supplémentaire de gérer une pandémie, mais nous l'avons fait - nous étions tous conformes, tout le monde portait un masque à tout moment, sauf les acteurs lorsqu'ils étaient devant la caméra, et personne n'est tombé malade. Il y avait quelque chose de très spécial à se réunir et à faire quelque chose pendant une période aussi turbulente.


Quelle est votre vision du cinéma post-Covid, pensez-vous qu'il y aura des changements notables ?


Euh... non, je ne le pense pas. Je pense qu'il y a de grands changements sociaux en ce moment qui auront probablement plus d'impact sur l'industrie en ce qui concerne la façon dont nous consommons le contenu. Je pense que malheureusement, le Covid nous a montré à tous que les grandes entreprises (y compris les géants de l'industrie cinématographique) continueront à prospérer, quoi qu'il arrive. Le covid (et l'après-covid) a certainement rendu ce qui était déjà difficile, encore plus difficile pour les films indépendants - mais pour ce qui est de "Hollywood" - non, je ne pense pas qu'il y aura des changements notables, je pense que tout ira bien.




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